Wegen der chaotischen Zustände an der Sapienza Universität in Rom, meines Brotjobs am Flughafen und des Asylpapierkrams für einen guten Freund habe ich wenig Zeit gehabt, zu schreiben oder meinen Studienaufenthalt in Hamburg zu genießen. Bis jetzt. Die Universität Hamburg ermöglicht es ihren Erstsemester-Studierenden und neu angekommenen Gaststudierenden, drei Monate lang Freikarten für unzählige Kulturveranstaltungen zu erhalten. Vor allem für die Studierenden, die von Niedriglohn und Bafög leben, ist das Freikarten-Projekt ein Segen. Seit ich meine Arbeitsstunden gedrosselt habe, kann ich die meisten meiner Vorlesungen besuchen und danach noch ausgehen. In Hamburg gibt es so viele Bühnen, dass ich mich erst einmal mit Markierungen durch die Spielpläne arbeiten musste wie durch meine Uni-Lektüre.
Deutsches Schauspielhaus Hamburg
Als David Bowie-Fan wollte ich mir auf keinen Fall die Voraufführung von „Lazarus“ entgehen lassen, eine Probe kurz vor der eigentlichen Premiere. „Lazarus“ von David Bowie und Enda Walsh wurde 2015 in New York uraufgeführt. Seit dem 16. November 2018 wird das Stück im Deutschen Schauspielhaus gezeigt. Das Theater sieht nicht nur wunderschön aus, sondern hat auch einen starken Charakter: 1900 eröffnet von und für Hamburgs BürgerInnen, wurde es 1934 von den Nazis zuerst verstaatlicht, dann verschandelt, zwei Jahre später geschlossen. 1945 ließen die britsichen Besatzer wieder Aufführungen zu. Es ist eines der wenigen Hamburger Theater, die im Zweiten Weltkrieg vor der Zerstörung bewahrt werden konnten. Seit den 1970ern wagen sich die IntendantInnen auch an avangardistische und experimentelle Stoffe, statt immer nur die Klassiker zu inszenieren.Weiterlesen »
„Wollt ihr was Härteres hören?“, fragt Laiho, typische Rockstar-Rhetorik nachäffend.
„Ja!“, schallt die einhellige Antwort des Publikums durch das Capitol in Hannover.
„Das ist schlecht“, antwortet er nach kurzem Nachdenken. „Denn der nächste Song ist nicht wirklich härter. Aber schneller.“
Schlagzeuger Jaska Raatikainen grinst und treibt die Melodie mit seiner Bass-Drum an. Die ganzen „Seid ihr bereit zum Partymachen?“-Floskeln gehen Frontsänger Laiho nach fast fünfundzwanzig Jahren Musikkarriere leicht über die Lippen. 1993 begannen Children of Bodom zu dritt unter dem Namen Inearthed zu spielen. Beeinflusst wurde der Musikstil des Trios damals vor allem von Größen der Metal-Szene wie Ozzy Osbourne, Slayer und Judas Priest, aber auch von den Hannoveraner Hardrockern Scorpions und deutlich düsteren Bands wie Dissection and Hypocrisy. Später änderte sich die Bandformation und Inearthed wurden zu Children of Bodom. Der Bandname bezieht sich auf den See Bodom in der Heimatstadt der Musiker. An dem See wurde 1960 ein Mord an drei Teenagern begangen, der bis heute ungeklärt ist, weshalb sich wilde Legenden um die Tat und den Ort ranken.
Children of Bodom
Während der gesamten Europatournee hat Finnlands erfolgreicher Metal-Export Children of Bodom zwei Vorbands mit im Programm, die auch locker ohne den Hauptact auftreten könnten: Oni aus Kanada und Forever Still aus Dänemark. Während ihres Auftritts im Capitol quält sich die sechsköpfige Metalband Oni mit einer vollgestellten Bühne herum, denn das Equipment der Kollegen steht schon hinter und neben ihnen. Das Markenzeichen der Band: Sie haben einen Xyllophonisten. Johnny D schüttelt sein Haar zum Schreigesang des Frontmanns und lässt die rot-schwarzen Trommelstöcke über sein Xyllophon tanzen. Das sieht absurd aus und klingt überraschend gut.
Erste Band des Abends: Oni
Eine überlange Umbaupause macht das Publikum ungeduldig, doch das Warten lohnt sich: Die Frau mit den langen grau-schwarz gefärbten Haaren, die eben noch Instrumente und Verstärker verkabelte und Bandlogo-Banner befestigte, entpuppt sich als Maja Shining, Frontsängerin von Forever Still. Obwohl der Bandname und das etwas kitschige Bandlogo, eine stilisierte Krähe inmitten eines zerfließenden Kreises, eine Emoband vermuten lassen, spielt Forever Still melodischen Metal, mal feinfühlig, mal aggressiv. Riffs, die sofort mitziehen, werden kombiniert mit einer wandelbaren Stimme zwischen schmachtendem Gesang und kehligem Schrei. Die Keyboard-Partituren kommen vom Band, weil die zweiköpfige Musikgruppe nur wenig Live-Unterstützung angeheuert hat. Nach ihrem bejubelten Auftritt schleppt die Band mit eher symbolischer als tatkräftiger Hilfe der Capitol-Techniker ihr Equipment wieder von der Bühne. Forever Still haben auf jeden Fall das Potenzial, als eigenständige Hauptband aufzutreten. Fans in Hannover haben sie spätestens seit diesem Abend. Beim nächsten Mal kann sich die Band vielleicht auch einen Keyboarder und ein paar Roadies leisten.
„Happy Valentine’s Day“, wünscht James LaBrie dem Publikum, stellt beim Rundblick durch die Menge jedoch fest, dass ernüchternd viele Männer vor der Bühne stehen. Zugegeben, Dream Theater ist – genau wie Opeth und viele andere Progressive Metal Bands – das, was frau sich anhört, um einen nerdigen Kerl zu beeindrucken. Im Gegensatz zu Opeth, die mir selbst als Kneipen-Hintergrundmusik noch zu seicht und öde sind, sind Dream Theater wirklich „progressive“. Keyboarder Jordan Rudess ist ,,nicht von dieser Welt; ein Alien“, wie LaBrie ihn treffend beschreibt. Er baut komödiantische Partituren in melancholische Metalsongs ein, harmoniert perfekt mit den Riffs oder spielt absichtlich gegen sie an. Oft rastet er einfach am Keyboard aus ohne auf seine Noten zu achten. „Er spielt jedes Mal etwas anderes“, bestätigt LaBrie, „Und wenn ich ihn frage, was das war, dann zuckt er nur mit den Schultern.“
Kennst bestimmt schon alle Käse-Witze über seinen Namen: James LaBrie
Bei Songs wie „Take the Time“ ist der Einfluss von Progressive Rock und Psychedelic deutlich zu hören. John Petruccis Finger rasen über den Hals seiner glitzenden E-Gitarre. Sänger James LaBrie sieht ein bisschen aus wie die Metal-Softies in der Schule rumliefen, die höchstwahrscheinlich Emos gewesen wären, hätte es diese schreckliche Szene schon früher gegeben. LaBrie trägt Jeans mit aufgenähten Totenkopf-Patches und ein graues Kreuzmotiv-Shirt, auf dessen Rückseite in rot glänzenden Buchstaben „Wornstar“ steht. So bin ich wirklich nur im Alter von 13 bis 14 Jahren rumgelaufen (und da hatte ich deutlich weniger Kohle für meine persönliche Garderobe zur Verfügung als ein Rockstar).
Mit ihrer Jubiläumstour huldigt die Band ihrem vor 25 Jahren veröffentlichten Erfolgsalbum „Images and Words“. Das live hundert mal besser klingt als auf Platte bzw. YouTube. Man merkt zum Beispiel erst live, dass John Myung seinem Bass völlig irre Töne entlocken kann und wie krank die Stilbrüche klingen, die ihre HörerInnen in einen trippigen Sog ziehen. Pink Floyd und King Crimson auf LSD hören kann ja jeder. Nächstes Mal ausprobieren: Dream Theater.
Die Kurzkritik: Dafür, dass es „nur“ ein Geschenk für den Liebsten sein sollte (Metalbands dürfen in seinem Heimatland nicht auftreten), hatte ich auch übelst viel Spaß. Trotz Erkältung klang der Sänger super. Allein die lange Pause mitten im Konzertabend ließ darauf schließen, dass ein Haufen alter Knacker auf der Bühne stand. ★★★★☆
No filter needed: Hamburg hat uns (wie immer) herzlich empfangen.
Unexpectedly my friend and me got front row tickets for a modern version of the Carmen opera. I have a crush on an opera singer/actor now (the same guy who starred in Macbeth), but mostly I am in love with this theatre’s architecture and atmosphere. My friend took those pictures which I will use to remind me that I should come back to Bologna very soon and not only for studying.
The look on my face when I found out where we would sit ;-)
THE PLAY: Interpreting classical plays in a new way is always risky, because it means adding a new perspective to a story that was already impressing before your idea came along. You either take the original to a whole new level of awesomeness in a different context, with focus on a differnet aspect or a brave surprising spin that still fits to the concept… or you completely miss the point of the old story because you desperately try to force your view and your idea on to it. (This is what bad film directors do with famous books. They chop up the origninal story until it fits to their image of it.) This version of Carmendirected by Bologna-born Pietro Babina did both: It modernized the story so mercilessly that it became ridiculous: with dancing little devils and annoying, terribly dressed tourists, with a lot of colours, confetti and pathos. But this is also what made the well-known story fresh and lively again. This version is brave and weird, not a half-assed redecoration of what we’ve seen before.
It is not a coincidence that the director of the orchestra, Frédéric Chaslin from Paris, was applauded more than anyone else. I sat right in front of the orchestra and it was amazing. Keep in mind, this admiration is coming from someone who writes concert reviews for every genre but actually prefers Punkrock and Experimental.
The set design was, as the whole opera, bold instead of subtile. Like a pop art version of the original. Personally I liked the set design in Macbeth better, because it didn’t seem to scream: Notice me, I’m so special and hip! But after the break, when atto terzo (act three) started, the set design’s obvious allusion to the refugee crisis was not funny anymore but cynical: A huge „Europe dream“ flight advertisement in the back, people caged behind fences, the cast looking like they are on the run. If this already sounds disturbing to you, wait for the last act. In act four everything is colourful, loud and absurd again. My first thought was: „What the hell?!“ After Carmen is killed by Don Josè, the dead people dance because… who cares, why. The crowd is confused in the end, which I bet must have put a smile on the director’s face.
This review is taken from my personal Bologna Journal. Please note that English is my second language and I may still make some mistakes.
The opera is also scheduled for March 26 an 29 in the Teatro Comunale di Bologna (not to be confused with the Carmen K dance performance in April). The language in this version of the opera is French with Italian translation on screen.
What if I say I’m totally like the others? – Rockmusik mit positiver Energie wird am dringesten gebraucht in diesen Zeiten des Hasses
Zugegeben: Die Foo Fighters fand ich immer ein bisschen spießig; mir hat da das Raue, Wilde und Wütende gefehlt, das Rockmusik eigentlich auszeichnet. Aber man sollte Bands nicht abstempeln, wenn man ihre Liveauftritte nicht kennt. Einen Tag vor dem Konzert gab es noch Karten – für 200 Euro. Ähm nein. Weil ich mich in Bologna auf dubiosen Partys herumtreibe, erhielt ich aber die Chance, kostenlos in den VIP-Bereich zu kommen. Dort sitzen (!) Leute, die sich für total wichtig halten und viel Gel in den Haaren haben. Sie tanzen nicht, die lächeln nicht, sie haben das hier alles schon tausend mal gesehn und dieses blonde Mädel, das ihnen Bier bringt, ist viel interessanter als die Band. Veranstaltungsmanager müsste man sein. Dann könnte man auch so eine Fresse ziehen und sich für was Besseres halten. Oder man wird eben… Konzertkritikerin.
Die ItalienerInnen sind ein verrücktes Publikum, von dem jede Band nur träumen kann. Aus „Skin and Bones“ wird der Muppet Show-Song „Mahna Mahna„. Dave Grohl, der mit gebrochenem Bein auf seinem Gitarrenthron sitzt, lacht sich kaputt. Dann erzählt er von seinem ersten Auftritt in Bologna, von seiner damaligen italienischen Freundin, seinem ersten Tattoo und davon wie das Publikum in Bologna immer so richtig abgeht. Grohl hat viele Freunde in der Musiktadt Bologna. Überhaupt hat er viele Freunde, was wahrscheinlich an seiner super positiven Ausstrahlung liegt. Trotz gebrochenem Bein (die Weltournee wurde in The Broken Leg Tour umbenannt) springt er immer wieder auf. Diese Band hat so viel Energie. Nicht wütend wie Slayer, sondern voller guter Laune.
Das sind diese seltenen Momente, in denen einem auffällt, dass der VIP-Platz einen Scheiß wert ist und man sich gefälligst dafür zu schämen hat, weil eigentlich alle gleich sind (und unten im Innenraum die härtere Party abgeht).
Der Sound war besser als auf Platte, die Band hatte sichtlich Spaß und das Publikum sowieso. Es war eigentlich ein perfekter Konzertabend. Erst als man wieder draußen in der realern Welt war, strömten die Nachrichten aus Paris auf einen ein. Meine Freundin Hannah, die gerade Kunst in Paris studiert, schrieb mir eine kryptische Sms, die ich erst verstand, als ich nach einer Party gegen fünf Uhr nach Hause kam und online ging. Hannah und ich redeten via Skype. Draußen ging die Sonne auf; sie hockte in ihrem kleinen Zimmer ,,eine Straße vom Eiffelturm entfernt“ und fand die ganze Situation ,,kafkaesk“.
Die Eagles of Death Metal spielten ungefähr zur gleichen Zeit im Bataclan in Paris wie die Foo Fighters in Bologna. Die beiden Bands sind befreundet; Dave Grohl trat auch im Video zu „I want you so hard“ auf. Es ist also kein Wunder, dass die Foo Fighters den Rest ihrer Tour abgesagt haben. Das nächste Konzert nach Bologna hätte in Paris stattfinden sollen.
CC: Céline from Dublin, Ireland – Bataclan – Paris
Bei dem Angriff auf das Publikum der Eagles of Death Metal an diesem Freitag, dem 13. November 2015, wurden nach offiziellen Angaben 89 Menschen getötet und 200 verletzt. Die Eagles of Death Metal haben dazu ein Statement veröffentlicht. Inzwischen hat die Band angekündigt, dass sie als erste wieder im Bataclan auftreten will. Denn von Terroristen, die das freie Leben, Partys und gute Musik für Sünde halten, lassen sich die Rocker mit dem ironisch gemeinten Bandnamen und den witzigen Songs ganz bestimmt nicht mundtot machen. Die Foo Fighters legen nun eine unbestimmt lange Pause ein, doch sie werden ihre Tourtermine sicherlich auch nachholen. Dann sogar mit einem Dave Grohl auf zwei Beinen, der noch mehr rumspringen kann.
Wie schreibt man über Musik an so einem Abend? Einem Abend, der so schön war und dann so schrecklich endete?
„[…] And there was almost a sense of guilt in having spent a lovely evening of music, on a night like this. But it needs not be so. Because music is life, because a concert is that moment when you cancel the distances between people and it feels a bit like we are all the same, all part of something that unites us beyond flags, religions, political ideas. Because at concerts people meet, who would otherwise never talk to each other in real life, they can laugh, cry, together, as part of the same family. As friends. For this, if we knew what was happening out there in the real world, we would have said: ‚Play it again, Dave.‘ „
Kunstblut-Pop vs. Kunst: Treffen der „Partyfraktion Sodom & Gomorrha“
Am Wochenende fand zum 15. Mal das M’era Luna, eines der größten Goth-Festivals weltweit, in Hildesheim statt. Die Partyfraktion übernimmt… zum Leidwesen der Musikfans.
Gehen Sie auch immer mit echtem Vogelskelett um den Hals, 200 Gramm Corpse Paint im Gesicht, schwarzen Todesengelflügeln mit acht Metern Spannbreite, Vampirzähnen, Netzoberteil ohne was drunter und silbern angesprühtem Hirschgeweih auf dem Kopf zum Bäcker? Warum nicht? Natürlich wäre das unbequem und viel zu aufwendig, reicht doch meistens schon ein bisschen blauer Lippenstift, um hasserfüllte Blicke von Jack Wolfskin-JackenträgerInnen zu ernten. Aber die meisten Goths sind nun einmal große ÄsthetInnen, was man nicht nur an Bandnamen wie Einstürzende Neubauten oder Aesthetic Perfection sieht. Dem Klischee nach sind Goths immer schwarz angezogen, dabei haben viele bunte Haare und Kontaktlinsen, tragen Neonwesten oder aufwendig geschneiderte viktorianische Roben. Goths sind auch nicht ständig schlecht gelaunt, nur weil sie den Tod als Teil des Lebens betrachten. Beleidigt sind sie erst, wenn man ihre Kleidung als Kostümierung bezeichnet. Wir sollten den AlltagsästhetInnen dankbar sein dafür, dass sie die Welt für uns verschönern.
Spießertum, brenne!
Autor David Grashoff, bei dem Poetry Slam und Stand-Up-Comedy fließend ineinander übergehen, fackelt in einer seiner aberwitzigen Geschichten total high auf Pilzen einen Haufen Wolfskin-Jacken ab, das Erkennungssymbol des gutbürgerlichen Langweilers. Nur mit einer Spongebob-Socke bekleidet tanzt er heidnisch um das Feuer. Am Ende stellt er fest, dass die Pilze eigentlich normale Champions waren und erkennt: Er hat auch ohne Psychedelika noch die Kraft, gegen das Establishment zu kämpfen. Das bunt-schwarze Publikum lacht sich kaputt.
Noch mehr Leute als im letzten Jahr sind zum Vortag des Festivals angereist und hören sich die Lesungen in der Flughalle an. Bestsellerautor Markus Heitz ist zum fünften Mal mit von der Partie. Der Mann, der immer mehr schwitzt als alle in der Halle, liest diesmal unter anderem aus „Aera“, und der Plot ist so episch wie witzig: Alle Götter, die jemals von Menschen angerufen wurden, tauchen eines Tages auf der Erde auf. Außer: Gott, Allah und Jahwe. Die drei großen Weltreligionen werden zu Sekten degradiert, ehemals von ihnen Unterdrückte rächen sich brutal. Aera ist ein literarisches Gedankenspiel wie Michel Houellebecqs „Unterwerfung“; sogar den versoffenen Protagonisten haben beide Bücher gemeinsam. Im Gegensatz zu Michel Houellebecq hält sich Markus Heitz an das Genre der Phantastik, besser bekannt als „Genrelitertur“ Fantasy. In der deutschen Phantastik-Szene ist der kumpelhafte Umgang der Künstler mit ihren Fans Standard. So hat Heitz‘ in seiner humorvollen Religionskritik nicht nur alle durch den IS zerstörten Städte wieder aufbauen lassen, sondern auch Sodom und Gomorrha, „für die Partyfraktion“, wie er sagt. Jubel bricht aus. Heitz grinst triumphierend. „Ich wusste, dass euch das gefällt.“
Die Gothic Modenschau
„Der Zombie ist nicht gekommen, um traurig rumzustehen!“
Die Newcomer haben es immer am schwersten: Elvellon ist eine fünfköpfige Symphonic Metal – Band und sie klingen verdammt gut. Hätten sie nicht vormittags für gerade einmal zwanzig Minuten, sondern nachts aufteten können, wären sie von so manchem Goth mit dem Headliner Nightwish verwechselt worden. Die starke Stimme der Frontfrau Nele Messerschmidt ist nicht die einer unsicheren Anfängerin, sondern die einer Profi-Sängerin.
Deathstars und Combichrist haben es bereits geschafft sich einen Namen in der schwarzen Szene zu machen: Sie waren beide schon Vorbands von Rammstein. Die Aggrotech-Musiker Aesthetic Perfection aus Hollywood begeistern mit ihrem Hit „Antibody“. Bands auf der Hangar-Bühne können durchaus mit denen auf der Hauptbühne konkurrieren, so gibt es vor dem Hangar jetzt einen großen Bildschirm, weil die Halle überfüllt ist. Während deutscher Pop eher etwas peinliche Texte hervorbringt und in Übersee nicht gut ankommt, hat die Neue Deutsche Härte wieder Konjunktur. Manche Gäste haben hunderte Dollars in Flugtickets investiert, um nach Deutschland zu kommen und beim Festival dabei zu sein. Amerikanische M’era Luna-BesucherInnen lernen Deutsch, weil sie die Texte ihrer Lieblingsbands verstehen wollen.
Provokation um jeden Preis
Weil einige Bands der vielseitigen Goth-Szene gerne mit Nazisymbolik provozieren (Tyske Ludder, Nachtmahr, Ost+Front, Eisbrecher etc.), ziehen sie auch zwielichtige Fans an. Ein junger Mann mit grau gefärbtem Haar trägt an seiner Uniform falsche Orden zur Schau, sowie die Reichsflaggen-Farben und einen Anstecker der umstrittenen Band Feindflug. Bei manchen Menschen führt das Bedürfnis außergewöhnlich und besonders zu sein dazu, dass sie sich außergewöhnlich bescheuert und besonders lächerlich aufführen. In der szenetypischen Dauerprovokation gehen diese Gestalten lautlos unter, außerdem ist 2015 erstmalig die Jugendantifa Niedersachsen auf dem Festival vertreten. Die Antifa-Mitglieder riefen zum Boykott des Nachtmahr-Konzertes auf, womit sie allerdings nicht weit kamen.
Pünktlich zum Sonnenuntergang startet Rob Zombie mit effektvoller Show. „Der Zombie ist nicht hergekommen, um traurig rumzustehen“, ruft er mit Reibeisenstimme, beginnt daraufhin in die Luft zu kicken und tanzt zu einer Cover-Version von „Sex Machine“. Schon beim markanten Intro von „Living Dead Girl“ flippt die Menge aus. Die E-Gitarre klingt nach Kreissäge; einmal flackert der Gitarrenkorpus in Neonfarben wie Leuchtreklame, ein anderer ist mit Wasser gefüllt. Rob Zombie überlässt seiner Band die Bühne, klettert hinunter in die erste Reihe, brüllt: „Mars needs women, angry red women!“ Während der Zugabe starten ein paar Goths eine Polonaise, verlieren sich jedoch im Moshpit.
Kunstblut-Pop vs. Kunst
Phillip Boa and the Voodooclub ziehen mit ihrem 1980er-Avantgarde-Pop vor allem die älteren Semester in den Hangar und in ihren Bann. Wer noch weiter in der Zeit zurückreisen möchte, ist auf dem Mittelaltermarkt gut aufgehoben, wo Minnesänger spielen, Bruder Ignatius Ablassbriefe fürs Faulenzen und andere Sünden verkauft, und der gutaussehende Schmied alle Jahre wieder von der einen oder anderen betrunkenen Goth-Maid belästigt wird. Die Mittelalter-Folkbands Tanzwut und Saltatio Mortis (lat. für Totentanz) ziehen nicht mehr von Markt zu Markt, sondern spielen inzwischen regelmäßig auf großen Festivals. Beide Bands werden immer wieder gerne zum M’era Luna eingeladen, weil ihre Musik verdammt tanzbar ist. Die eher Zartbesaiteten kommen bei Blutengel auf ihre Kosten: Wie der Name schon andeutet, scheut die Band keine Gruftieklischees und hat trotzdem – oder gerade deshalb – Erfolg. Die Bandmitglieder bezeichnen ihren Stil als Dark Pop, für Freunde der härteren Musik sind sie eher Helene Fischer mit Kunstblut.
Die legendären Einstürzenden Neubauten stoßen besonders das blutjunge Partyvolk vor den Kopf. Sie starten mit „The Garden“. Als wollte er das Publikum in Trance versetzen wiederholt Sänger Blixa Bargeld den Satz: „You will find me, if you want me, in the Garden, unless it’s pouring down with rain.“ Zu der kunstvollen Musik lässt es sich nur schwer herumhampeln, der wenige Text ist fein verstreut über den minimalistischen Beats, poetisch ohne Kitsch, hermetisch-verschlossen. Frontsänger Blixa Bargeld ruft nicht: „M’era Luna, seid ihr bereit zum Partymachen?“ oder „Wollt ihr mit uns ausrasten?“ Wer die Band nicht begreift, beschwert sich über die „Hintergrundmusik“. Tatsächlich wären die Einstürzenden Neubauten im Hangar besser aufgehoben, denn dort spielen die düsteren Bands, auf der Hauptbühne eher die, die abgefeiert werden und gar nicht so sehr verstören wollen.
Das Besondere am M’era Luna ist die Kombination aus eben diesen verschiedenen Genres und völlig unterschiedlichen Erwartungen der BesucherInnen, sowie die Mischung vergangener und futuristischer Stile. Drei Meter hohe Robo-Aliens in Schutzanzügen bahnen sich ihren Weg durch die Menge; die Kunstwerke erinnern an das Endzeitfestival Burning Man, das in der Black Rock Desert in Nevada stattfindet. Zum Ende des Burning Man wird ein riesenhafter Holzmann verbrannt und die Wüste so hinterlassen wie sie vorher war.
Auf dem M’era Luna Festival gibt es auch eine Abschluss-Tradition: Wenn die Bands längst wieder in den Tourbussen sitzen, sammeln die FestivalbesucherInnen Wasserkanister, leere Bierdosen, Zeltstangen und anderen klangvollen Schrott zusammen. Dann beginnt das große Nachttrommeln. Nach Definition des Autors Christian van Alster, der sich bevorzugt über seine eigene Leserschaft lustig macht, sind manche Grufties so gruftig, dass sie nicht das Sonnenlicht meiden, sondern das Sonnenlicht sie. Die Musik der Goths verstummt erst, wenn die Sonne wieder aufgeht… oder ist es doch umgekehrt?
The set design was, as the whole opera, bold instead of subtile. Like a pop art version of the original. Personally I liked the set design in Macbeth better, because it didn’t seem to scream: Notice me, I’m so special and hip! But after the break, when atto terzo (act three) started, the set design’s obvious allusion to the refugee crisis was not funny anymore but cynical: A huge „Europe dream“ flight advertisement in the back, people caged behind fences, the cast looking like they are on the run. If this already sounds disturbing to you, wait for the last act. In act four everything is colourful, loud and absurd again. My first thought was: „What the hell?!“ After Carmen is killed by Don Josè, the dead people dance because… who cares, why. The crowd is confused in the end, which I bet must have put a smile on the director’s face.
